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MÚSICA, ECONOMÍA Y MÁS ALLÁ

Dec 04, 2023

El objetivo de la música digital es el pastoreo sin riesgos”


Cory Doctorow, periodista y coeditor canadiense y del extravagante blog Boing Boing, es un activista a favor de la liberalización de las leyes de derechos de autor y defensor de la organización sin fines de lucro Creative Commons dedicada a ampliar la gama de obras creativas disponibles para otros. construir legalmente y compartir. Doctorow y otros continúan escribiendo prolíficamente sobre los cambios apocalípticos que enfrenta la propiedad intelectual en general y la industria musical en particular.


En este artículo exploraremos el cataclismo que enfrenta la industria estadounidense a través del ejemplo del portal de la industria musical, una industria simple en comparación con las de la automoción o la energía. Sin embargo, en la simplicidad de este ejemplo podemos descubrir algunas lecciones que se aplican a todas las industrias.


En su artículo web, “La inevitable marcha de la música grabada hacia la libertad”, Michael Arrington nos dice que las ventas de CD de música continúan cayendo en picado de manera alarmante. “Artistas como Prince y Nine Inch Nails están despreciando sus sellos y regalando música o diciéndoles a sus fans que se la roben... Radiohead, que ya no está controlada por su sello, Capitol Records, puso a la venta en Internet su nuevo álbum digital para cualquier precio que la gente quiera pagar por ello”. Como muchos otros han repetido en los últimos años, Arrington nos recuerda que a menos que se puedan crear impedimentos legales, técnicos u otros impedimentos artificiales efectivos a la producción, “la teoría económica simple dicta que el precio de la música [debe] caer a cero a medida que aumentan los 'competidores'. (en este caso, los oyentes que copian) entran al mercado”.


A menos que los gobiernos soberanos que suscriben la Convención Universal sobre Derecho de Autor tomen medidas drásticas, como el propuesto impuesto obligatorio a la música para apuntalar la industria, prácticamente no existen barreras económicas o legales para evitar que el precio de la música grabada caiga a cero. En respuesta, los artistas y los sellos probablemente volverán a centrarse en otras fuentes de ingresos que pueden y serán explotadas. Específicamente, estos incluyen música en vivo, mercadería y copias físicas de edición limitada de su música.


Según el autor Stephen J. Dubner, “Lo más inteligente de los Rolling Stones bajo el liderazgo de Jagger es el enfoque corporativo y profesional de la banda al realizar giras. La economía de la música pop incluye dos fuentes principales de ingresos: las ventas de discos y las ganancias de las giras. Las ventas récord son a) impredecibles; yb) dividido entre muchos partidos. Mientras tanto, si aprende a realizar giras de manera eficiente, las ganancias (incluyendo no sólo la venta de entradas sino también el patrocinio corporativo, la venta de camisetas, etc.) pueden ser asombrosas. Básicamente, puedes controlar cuánto ganas agregando más fechas, mientras que es difícil controlar cuántos discos vendes”. (“Mick Jagger, Profit Maximizer”, Blog Freakonomics, 26 de julio de 2007).El objetivo de la música digital es el pastoreo sin riesgos”


Cory Doctorow, periodista y coeditor canadiense y del extravagante blog Boing Boing, es un activista a favor de la liberalización de las leyes de derechos de autor y defensor de la organización sin fines de lucro Creative Commons dedicada a ampliar la gama de obras creativas disponibles para otros. construir legalmente y compartir. Doctorow y otros continúan escribiendo prolíficamente sobre los cambios apocalípticos que enfrenta la propiedad intelectual en general y la industria musical en particular.


En este artículo exploraremos el cataclismo que enfrenta la industria estadounidense a través del ejemplo del portal de la industria musical, una industria simple en comparación con las de la automoción o la energía. Sin embargo, en la simplicidad de este ejemplo podemos descubrir algunas lecciones que se aplican a todas las industrias.


En su artículo web, “La inevitable marcha de la música grabada hacia la libertad”, Michael Arrington nos dice que las ventas de CD de música continúan cayendo en picado de manera alarmante. “Artistas como Prince y Nine Inch Nails están despreciando sus sellos y regalando música o diciéndoles a sus fans que se la roben... Radiohead, que ya no está controlada por su sello, Capitol Records, puso a la venta en Internet su nuevo álbum digital para cualquier precio que la gente quiera pagar por ello”. Como muchos otros han repetido en los últimos años, Arrington nos recuerda que a menos que se puedan crear impedimentos legales, técnicos u otros impedimentos artificiales efectivos a la producción, “la teoría económica simple dicta que el precio de la música [debe] caer a cero a medida que aumentan los 'competidores'. (en este caso, los oyentes que copian) entran al mercado”.


A menos que los gobiernos soberanos que suscriben la Convención Universal sobre Derecho de Autor tomen medidas drásticas, como el propuesto impuesto obligatorio a la música para apuntalar la industria, prácticamente no existen barreras económicas o legales para evitar que el precio de la música grabada caiga a cero. En respuesta, los artistas y los sellos probablemente volverán a centrarse en otras fuentes de ingresos que pueden y serán explotadas. Específicamente, estos incluyen música en vivo, mercadería y copias físicas de edición limitada de su música.


Según el autor Stephen J. Dubner, “Lo más inteligente de los Rolling Stones bajo el liderazgo de Jagger es el enfoque corporativo y profesional de la banda al realizar giras. La economía de la música pop incluye dos fuentes principales de ingresos: las ventas de discos y las ganancias de las giras. Las ventas récord son a) impredecibles; yb) dividido entre muchos partidos. Mientras tanto, si aprende a realizar giras de manera eficiente, las ganancias (incluyendo no sólo la venta de entradas sino también el patrocinio corporativo, la venta de camisetas, etc.) pueden ser asombrosas. Básicamente, puedes controlar cuánto ganas agregando más fechas, mientras que es difícil controlar cuántos discos vendes”. (“Mick Jagger, Profit Maximizer”, Blog Freakonomics, 26 de julio de 2007).


Para poder abordar los problemas que plantean los medios digitales en la industria de la música, recurrimos a los datos en los que más confía la industria. Estos datos llegan a través de Neilsen SoundScan, que opera un sistema para recopilar información y rastrear las ventas. Lo más relevante para el tema de esta columna es que SoundScan proporciona el método oficial para rastrear las ventas de productos de música y videos musicales en los Estados Unidos y Canadá. La empresa recopila datos semanalmente y los pone a disposición todos los miércoles para suscriptores de todas las facetas de la industria musical. Entre ellos se incluyen ejecutivos de compañías discográficas, editoriales, minoristas de música, promotores independientes, productores y distribuidores de entretenimiento cinematográfico y empresas de gestión de artistas. Debido a que SoundScan proporciona los datos de ventas utilizados por Billboard, la revista comercial líder, para la creación de sus listas musicales, esta función convierte a SoundScan en la fuente oficial de registros de ventas en la industria de la música.


Quo vadis? Según Neilsen Soundscan, “en un mundo de medios fragmentado donde la tecnología está remodelando los hábitos de consumo, la música sigue siendo la banda sonora de nuestra vida diaria. Según Music 360 2014, el tercer estudio anual en profundidad de Nielsen sobre los gustos, hábitos y preferencias de los oyentes de música de Estados Unidos, el 93% de la población del país escucha música y pasa más de 25 horas cada semana sintonizando sus canciones favoritas”.


Para la mayoría de los estadounidenses, la música es la principal forma de entretenimiento. En una encuesta de 2014, el 75% de los encuestados afirmaron que elegían activamente escuchar música en lugar de otros medios de entretenimiento. La música forma parte de nuestras vidas durante todos los momentos del día. Una cuarta parte de la escucha de música se realiza mientras se conduce o se viaja en vehículos. Otro 15% de nuestro tiempo semanal de música lo dedicamos en el trabajo o mientras realizamos las tareas del hogar.


No sorprende que en los últimos cinco años las ventas de CD hayan disminuido mientras que las descargas y las ventas hayan aumentado. Bob Runett de Poynter Online comenta: “Empiecen a agitar los encendedores y a balancearse de lado a lado: la historia de amor entre los fans de la música y sus teléfonos móviles se está volviendo más intensa. Los teléfonos con capacidad musical representarán el 54 por ciento de las ventas de teléfonos a nivel mundial en cinco años, según un informe de la consultora Strategy Analytics Inc. El informe sugiere que sigamos observando el crecimiento de los reproductores de música móviles (CMD), dispositivos que ofrecen una excelente calidad de sonido. y centrarse en la música más que en las imágenes”. (“Algunas notas sobre la música y la convergencia”, 25 de noviembre de 2014)


Stephen J. Dubner resumió bastante bien el desastre hace casi una década. “Me parece irónico que una nueva tecnología (la música digital) haya forzado accidentalmente a los sellos discográficos a abandonar el status quo (lanzar álbumes) y regresar al pasado (vender singles). A veces pienso que el mayor error que jamás haya cometido la industria discográfica fue abandonar el sencillo pop en primer lugar. Los clientes se vieron obligados a comprar álbumes para obtener una o dos canciones que amaban; ¿Cuántos álbumes puedes decir que realmente amas, o amas incluso el 50% de las canciones, 10? 20? Pero ahora la gente ha hablado: quieren una canción a la vez, por favor digitalmente, tal vez incluso gratis”. (“¿Cuál es el futuro de la industria musical? Un quórum de Freakonomics”, 20 de septiembre de 2007).


Como muchos de nosotros, yo (Dr. Sase) también he trabajado como músico/productor/ingeniero/propietario de un sello independiente lanzando temas esotéricos desde la década de 1960. Si bien ocasionalmente me ganaba la vida adecuadamente con mi música, también desarrollé mis talentos como economista y obtuve un doctorado en ese campo. Por tanto, lo comento desde esta doble perspectiva de economista/músico.


El posfuturo, como lo llaman muchos expertos en música, en realidad no difiere mucho del pasado. Cómo y por qué la gente obtiene su música sigue reflejando al menos tres factores de decisión relacionados. Podemos resumir los tres más relevantes en 1) Contenido, 2) Durabilidad y 3) Tiempo-Costo. Expliquemos más.


1) Contenido


Cuando comencé a grabar música a principios de los años 1960, el mercado estaba lleno de “maravillas de un solo éxito”. Era la era de la AM (modulación de amplitud), la radio DJ. También era la época del disco de 45 RPM con el éxito en el lado A y, por lo general, algún corte de relleno en el lado B. No era raro que alguien con un carrete de dos pistas “descargara” el éxito deseado de su estación de radio favorita. Había pocos grupos que ofrecieran LP completos de doce pulgadas con canciones en su mayoría geniales. El primer LP que compré fue Meet the Beatles, de esos cuatro muchachos de Liverpool.


A finales de la década de 1960, la industria se centró más en colecciones de “grandes éxitos” de grupos que anteriormente habían producido una serie de éxitos AM y en álbumes “conceptuales”. Durante esta época dorada de las ventas de LP, los Beatles, los Stones, los Grateful Dead, Yes, King Crimson y muchos otros grupos lanzaron álbumes llenos de contenido sólido. En pocas palabras: a los consumidores no les importa pagar por un producto si sienten que están recibiendo valor.


2) Durabilidad


¿Por qué alguien compraría un LP de doce pulgadas cuando podría tomar prestada una copia y grabar las canciones en una cinta de carrete a carrete o, más tarde, en un casete compacto? Las respuestas en ese momento eran simples. En primer lugar, era “genial” tener una gran colección de álbumes, especialmente una que un miembro del sexo opuesto pudiera hojear en el dormitorio de uno. Digamos simplemente que la colección de álbumes de uno podría informar a otra parte sobre sus gustos y su posible subcultura y personalidad. Por lo tanto, una colección atractiva proporcionaba cierto grado de vigencia social. ¿Podría esto explicar el resurgimiento del vinilo en los últimos años?


La segunda parte de la ecuación se presentó en forma de durabilidad real del producto. Al igual que las descargas actuales, las cintas de casete y carrete a carrete autograbadas generalmente sufrieron cierta pérdida de fidelidad durante la transición. Más importante aún, la integridad y permanencia de los medios de comunicación también dejaron mucho que desear. Hace treinta o cuarenta años, la cinta se desconchaba, se rompía y se enredaba alrededor del capston. A menos que uno haga una copia de seguridad de su colección en una cinta de segunda generación, muchas de sus canciones favoritas podrían perderse.


Hoy en día, los discos duros de las computadoras fallan. Sin el gasto de un disco duro adicional y el tiempo necesario para realizar la transferencia, surgen los mismos problemas de durabilidad. ¿Qué pasa con los CD? Como sabemos la mayoría de los que utilizamos CD-R para múltiples propósitos, la tecnología que graba instantáneamente una imagen deja un producto que sigue siendo más delicado y sujeto a daños en comparación con un CD fabricado comercialmente, estampado a partir de un original de metal. ¿Las nubes de Internet proporcionarán el mismo nivel de comodidad a los productores y oyentes de música? Tendremos que esperar y ver.


3) Tiempo-Costo


Este tercer elemento básicamente refleja el viejo argumento económico de “la cinta está funcionando/el tiempo es dinero” y puede explicar por qué los oyentes de música más jóvenes prefieren descargar canciones de forma legal o ilegal. Se hace eco de la misma economía que llevó a los oyentes en la década de 1960 a grabar sus éxitos favoritos de la radio. La sustancia del argumento tiene que ver con cómo un individuo valora su tiempo. Si los amantes de la música trabajan por un salario bajo por hora (o, a menudo, sin ningún ingreso), valorarán el tiempo dedicado a descargar, realizar copias de seguridad y transferir cortes en términos de lo que podrían ganar durante el mismo tiempo.


Consideremos el siguiente ejemplo. Suponiendo que doce descargas o un CD comparable cueste $12,00, una niñera que gane $6 por hora podría permitirse dedicar hasta dos horas de tiempo copiando música para lograr el mismo valor. Sin embargo, alguien con un oficio especializado o un título universitario puede ganar $24,00 o más por hora. Pasar más de media hora extrayendo excedería el valor obtenido. El contraargumento del costo de tiempo de viajar a una tienda de música física se ve compensado por la capacidad de una persona de iniciar sesión en Amazon o en otro lugar en menos de un minuto y posiblemente recibir envío gratuito. El mercado siempre cambiará a medida que la demografía del mercado primario envejezca. Sucedió con los Baby-Boomers de los años 1960 y 1970 y sucederá con las Generaciones X, Y y Z en el siglo actual.


La conclusión de todo este debate reside en el hecho de que un consumidor elegirá el modo de entrega que optimice su conjunto de valores. Este paquete incluye calidad y cantidad de contenido, durabilidad y rentabilidad. Éstas siguen siendo las lecciones que los creadores y divulgadores de música deben comprender para sobrevivir. Cuanto más cambian las cosas, más permanecen igual.


“Cuando estoy conduciendo en mi auto, y ese hombre suena en la radio, me cuenta más y más, sobre alguna información inútil, que se supone que enciende mi imaginación, no puedo entenderlo, no, oh no, no. No." -Michael Philip Jagger, economista británico, Escuela de Economía de Londres


En conclusión, reconocemos que ciertos valores motivan tanto a los consumidores como a las empresas. Estos valores incluyen contenido, durabilidad y costo de tiempo. No importa si el bien o servicio considerado existe en forma de propiedad real, personal o intelectual. La premisa sigue siendo la misma para hacer música, construir automóviles, enseñar economía y brindar servicios legales.


El economista británico Adam Smith resumió este fenómeno hace 229 años en su concepto de una mano invisible trabajando en el mercado. En efecto, los mercados funcionan porque todos los participantes del mercado buscan optimizar sus propios intereses. Siempre que ambas partes involucradas en una transacción perciban que saldrán en mejor situación después de consumarla, participarán. Si una (o ambas partes) no comparte esta percepción, ni la música, ni el automóvil, ni la educación, ni los servicios legales cambiarán de manos. En efecto, el mercado no logra producir un resultado satisfactorio.

MUSIC, ECONOMICS, AND BEYOND

05 Apr, 2020
The whole point of digital music is the risk-free grazing” Cory Doctorow, Canadian journalist and co-editor and of the off-beat blog Boing Boing, is an activist in favor of liberalizing copyright laws and a proponent of the Creative Commons non-profit organization devoted to expanding the range of creative works available for others to build upon legally and to share. Doctorow and others continue to write prolifically about the apocalyptic changes facing Intellectual Property in general and the music industry in specific. In this article, we will explore the cataclysm facing U.S. industry through the portal example of the music industry, a simple industry in comparison to those of automotive or energy. However, in the simplicity of this example we may uncover some lessons that apply to all industries. In his web-article, “The Inevitable March of Recorded Music Towards Free,” Michael Arrington tells us that music CD sales continue to plummet alarmingly. “Artists like Prince and Nine Inch Nails are flouting their labels and either giving music away or telling their fans to steal it… Radiohead, which is no longer controlled by their label, Capitol Records, put their new digital album on sale on the Internet for whatever price people want to pay for it.” As many others have iterated in recent years, Arrington reminds us that unless effective legal, technical, or other artificial impediments to production can be created, “simple economic theory dictates that the price of music [must] fall to zero as more ‘competitors’ (in this case, listeners who copy) enter the market.” Unless sovereign governments that subscribe to the Universal Copyright Convention take drastic measures, such as the proposed mandatory music tax to prop up the industry, there virtually exist no economic or legal barriers to keep the price of recorded music from falling toward zero. In response, artists and labels will probably return to focusing on other revenue streams that can, and will, be exploited. Specifically, these include live music, merchandise, and limited edition physical copies of their music. According to author Stephen J. Dubner, “The smartest thing about the Rolling Stones under Jagger’s leadership is the band’s workmanlike, corporate approach to touring. The economics of pop music include two main revenue streams: record sales and touring profits. Record sales are a) unpredictable; and b) divided up among many parties. If you learn how to tour efficiently, meanwhile, the profits–including not only ticket sales but also corporate sponsorship, t-shirt sales, etc.,–can be staggering. You can essentially control how much you earn by adding more dates, whereas it’s hard to control how many records you sell.” (“Mick Jagger, Profit Maximizer,” Freakonomics Blog, 26 July 2007). In order to get a handle on the problems brought about by digital media in the music industry, we turn to the data most relied upon by the industry. This data comes through Neilsen SoundScan which operates a system for collecting information and tracking sales. Most relevant to the topic of this column, SoundScan provides the official method for tracking sales of music and music video products throughout the United States and Canada. The company collects data on a weekly basis and makes it available every Wednesday to subscribers from all facets of the music industry. These include executives of record companies, publishing firms, music retailers, independent promoters, film entertainment producers and distributors, and artist management companies. Because SoundScan provides the sales data used by Billboard, the leading trade magazine, for the creation of its music charts, this role effectively makes SoundScan the official source of sales records in the music industry. Quo vadis? According to Neilsen Soundscan, “In a fragmented media world where technology is reshaping consumer habits, music continues to be the soundtrack of our daily lives. According to Music 360 2014, Nielsen’s third annual in-depth study of the tastes, habits and preferences of U.S. music listeners, 93% of the country’s population listens to music, spending more than 25 hours each week tuning into their favorite tunes.” For most Americans, music is the top form of entertainment. In a 2014 survey, 75% of respondents stated that they actively chose to listen to music over other media entertainment. Music is part of our lives throughout all times of the day. One fourth of music listening takes place while driving or riding in vehicles. Another 15% of our weekly music time takes place at work or while doing household chores. It has become no surprise over the past five years that CD sales have diminished while download listening and sales have increased. Bob Runett of Poynter Online comments, “Start waving the cigarette lighters and swaying side to side–the love affair between music fans and their cell phones is getting more intense. Phones with music capabilities will account for 54 percent of handset sales globally in five years, according to a report consulting firm Strategy Analytics Inc. The report suggests that we keep watching the growth of cellular music decks (CMDs), devices that deliver excellent sound quality and focus on music more than images.” (“A Few Notes About Music and Convergence,” 25 November 2014) Stephen J. Dubner summed up the mess quite well almost a decade ago. “It strikes me as ironic that a new technology (digital music) may have accidentally forced record labels to abandon the status quo (releasing albums) and return to the past (selling singles). I sometimes think that the biggest mistake the record industry ever made was abandoning the pop single in the first place. Customers were forced to buy albums to get the one or two songs they loved; how many albums can you say that you truly love, or love even 50% of the songs–10? 20? But now the people have spoken: they want one song at a time, digitally please, maybe even free.” (“What’s the Future of the Music Industry? A Freakonomics Quorum,” 20 September 2007). Like many of us, I (Dr. Sase) also have worked as a musician/producer/engineer/indie label owner releasing esoterica since the 1960s. While occasionally made an adequate living off my music, I also developed my talents as an economist, earning a doctorate in that field. Therefore, I comment from this dual perspective of an economist/musician. The post-future, as many music pundits call it, does not really differ that much from the past. How and why folks obtain their music continues to reflect at least three related decision drivers. We can summarize the three most relevant as 1) Content, 2) Durability, and 3) Time-Cost. Let us explain further. 1) Content When I started to record music in the early 1960s, the market was filled with “one-hit wonders.” It was the age of AM (amplitude modulation), DJ radio. It was also the age of the 45 RPM record with the hit on the A Side and usually some filler cut on the B Side. It was not uncommon for anyone with a 2-track reel-to-reel to “download” the one hit desired from their favorite radio station. There were few groups that offered entire twelve-inch LPs with mostly great songs. The first such LP that I purchased was Meet the Beatles by those four lads from Liverpool. During the late 1960s, the industry turned more to “Greatest Hit” collections by groups that had previously turned out a string of AM hits and to “concept” albums. During this golden age of LP sales, the Beatles, the Stones, the Grateful Dead, Yes, King Crimson, and numerous other groups released albums filled with solid content. Bottom line: consumers don’t mind paying for product if they feel that they are receiving value. 2) Durability Why would someone buy a twelve-inch LP when they could borrow a copy and tape record the songs to a reel-to-reel or, later on, to a compact cassette? The answers at that time were simple. First, it was “cool” to have a great album collection, especially one that a member of the opposite gender could thumb through in one’s dorm room. Let us simply say that one’s album collection could inform another party about one’s tastes and possible sub-culture and personality. Therefore, an attractive collection provided a certain degree of social currency. Might this account for the resurgence of vinyl in recent years? The second part of the equation came in the form of actual product durability. Like current downloads, self-recorded reel-to-reel and cassette tapes generally suffered from some loss of fidelity in the transition. More importantly, the integrity and permanence of the media also left something to be desired. Thirty to forty years ago, tape would flake, break, and tangle around the capston. Unless one backed up their collection to a second-generation tape, many of one’s favorite tunes could be lost. Today, computer hard drives crash. Without the expense of an additional hard drive and the time involved to make the transfer, the same durability issues ensue. What about CDs? As most of us who use CD-Rs for multiple purposes know, the technology that instantly burns an image leaves a product that remains more delicate and subject to damage in comparison to a commercially fabricated CD, stamped from a metal master. Will the Internet clouds provide the same level of comfort for music producers and listeners? We will just have to wait and see. 3) Time-Cost This third element basically reflects the old “tape is running/time-is-money” economic argument and may explain why younger music-listeners prefer to download songs either legally or illegally. It echoes the same economics that led listeners in the 1960s to record their favorite hits off of the radio. The substance of the argument has to do with how an individual values his/her time. If music-lovers works for a low hourly wage (or often no income at all), they will value the time spent downloading, backing up, and transferring cuts in terms of what they could be earning during the same time. Let us consider the following example. Assuming that twelve downloads or a comparable CD costs $12.00, a baby-sitter earning $6 per hour could afford to spend as much as two hours of time ripping music to achieve the same value. However, someone with a skilled trade or a college degree may be earning $24.00 or more per hour. Spending more than one half hour at ripping would exceed the value derived. The counter-argument of the time-cost of travelling to a brick-and-mortar music store gets offset by a person’s ability to log-on to Amazon or elsewhere in less than a minute and possibly receive free shipping. The market will always change as the primary market demographic ages. It happened with the Baby-Boomers of the 1960s and 1970s and it will happen with Generation X, Y and Z in the current century. The bottom line of all of this debate rests in the fact that a consumer will choose the mode of deliverable that optimizes his/her bundle of values. This bundle includes quality and quantity of content, durability, and time-cost effectiveness. These remain the lessons that music makers and music deliverers must understand to survive. The more things change, the more they stay the same. “When I’m drivin’ in my car, And that man comes on the radio, He’s tellin’ me more and more, About some useless information, Supposed to fire my imagination, I can’t get no, oh no, no, no.” -Michael Philip Jagger, British Economist, London School of Economics In conclusion, we recognize that certain values motivate consumers as well as businesses. These values include content, durability, and time cost. It does not matter whether the good or service under consideration exists in the form of real, personal, or intellectual property. The premise remains the same for making music, building automobiles, teaching economics, and providing legal services. The British economist Adam Smith summarized this phenomenon 229 years ago in his concept of an invisible hand at work in the marketplace. In effect, markets work because all market participants seek to optimize their own self interests. As long as both parties involved in a transaction perceive that they will emerge better off after consummating the transaction, they will participate. If one (or both parties) does not share this perception, no music, automobile, education, nor legal services will change hands. In effect, the market fails to produce a satisfactory outcome.

PRACTICE IN PUBLIC MAKES PERFECT: HOW PLAYING FOR YOUR FANS MAKES YOU BETTER

04 Apr, 2020
Price, 57, has played music nearly her whole life, starting with piano when she was five years old. But in the fall of 2009, the guitar was still something of mystery to her. She had been playing for only a couple of months and was struggling a bit with the new challenges. Yet, instead of holing up in her living room to practice until she felt more confident, she did something totally unexpected: she packed up her guitar and sheet music, headed into downtown Los Angeles, and set up outdoors to work through the new techniques. Twice a year, Active Arts, a series of programs run by the Music Center in Los Angeles, invites recreational musicians to the arts center’s campus for a 30-minute outdoor practice session called Public Practice. There are no rules about what participants can and cannot play, and mistakes are more than welcome. “I looked at it as a way to make the time to practice, because I’m always so busy,” explains Price, a legal secretary. Having participated in Public Practice three times, she’s found that bringing her music outdoors helps her focus. “Playing out in public encourages me to approach things a little bit differently. Even though it’s not a performance, knowing that I might have observers helps me to organize my practice session,” she says. On the other hand, Eric Oto, a saxophonist and two-time participant, has occasionally found himself sidetracked during outdoor sessions–but in a good way. “The acoustics were so fascinating that I ended up, for a little while, just strolling around the campus plaza listening for different sounds,” says the 48-year-old lawyer. “Hearing the sounds bouncing off of the granite, concrete, and everything else outside was really interesting, and it got me to think a lot more about sound production, rather than just technique.”

THE COMPLETE DEFINITION OF THE MUSIC

03 Apr, 2020
Music is a form of art that involves organized and audible sounds and silence. It is normally expressed in terms of pitch (which includes melody and harmony), rhythm (which includes tempo and meter), and the quality of sound (which includes timbre, articulation, dynamics, and texture). Music may also involve complex generative forms in time through the construction of patterns and combinations of natural stimuli, principally sound. Music may be used for artistic or aesthetic, communicative, entertainment, or ceremonial purposes. The definition of what constitutes music varies according to culture and social context. Greek philosophers and medieval theorists defined music as tones ordered horizontally as melodies, and vertically as harmonies. If painting can be viewed as a visual art form, music can be viewed as an auditory art form. The broadest definition of music is organized sound. There are observable patterns to what is broadly labeled music, and while there are understandable cultural variations, the properties of music are the properties of sound as perceived and processed by humans and animals (birds and insects also make music). Music is formulated or organized sound. Although it cannot contain emotions, it is sometimes designed to manipulate and transform the emotion of the listener/listeners. Music created for movies is a good example of its use to manipulate emotions. Music theory, within this realm, is studied with the pre-supposition that music is orderly and often pleasant to hear. However, in the 20th century, composers challenged the notion that music had to be pleasant by creating music that explored harsher, darker timbres. The existence of some modern-day genres such as grindcore and noise music, which enjoy an extensive underground following, indicate that even the crudest noises can be considered music if the listener is so inclined. 20th century composer John Cage disagreed with the notion that music must consist of pleasant, discernible melodies, and he challenged the notion that it can communicate anything. Instead, he argued that any sounds we can hear can be music, saying, for example, “There is no noise, only sound,”[3]. According to musicologist Jean-Jacques Nattiez (1990 p.47-8,55): “The border between music and noise is always culturally defined–which implies that, even within a single society, this border does not always pass through the same place; in short, there is rarely a consensus…. By all accounts there is no single and intercultural universal concept defining what music might be.”
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